Des Bulles - Cinéma

Le nouveau protocole

François Schreuer — 2008-06-20T02:25:00Z

Attention, ce post révèle l'intrigue du film.

J'ai vu hier (enfin, mercredi) Le nouveau protocole, de Thomas Vincent. Ce film, massacré par la critique |1|, raconte l'histoire d'un homme, Raoul, exploitant forestier (joué par Clovis Cornillac), dont le fils meurt dans un accident de voiture. Suite à une rencontre avec une jeune femme, Diane (Marie-Josée Croze), plus ou moins journaliste, qui lui affirme que son fils est mort en raison des effets secondaires d'un médicament qu'il testait dans le cadre d'essais cliniques, cet homme taciturne et réservé va, après quelques hésitations, se lancer dans une enquête éperdue dans le monde des multinationales pharmaceutiques. Son domicile sera cambriolé, la jeune femme, avec laquelle il commence à travailler, semble harcelée par les barbouzes de la société pharmaceutique sur laquelle se portent les soupçons de notre duo de choc. Le bûcheron, qui monte un peu trop dans les tours, va tuer l'un d'eux et assommer l'autre, puis cambrioler les locaux de la boîte pharmaceutique, puis agresser le responsable de celle-ci, dans l'espoir d'obtenir la vérité sur la mort de son fils. Le thriller prend petit à petit, mais retombe vite : après quelques péripéties dont je vous passe le détail, on affirme à Raoul que le médoc de son fils était un placebo et il apparaîtra que le fils, selon toute vraisemblance, s'est simplement suicidé, que la passionnaria était parano, que c'est elle qui avait cambriolé le domicile du bûcheron, tandis que les barbouzes étaient des flics.

Bref, la quête s'est transformée en une cavale qui dégénère. La jeune femme est abattue lors d'une fusillade, et Raoul, groggy debout de ce qui lui arrive, poursuit sa trajectoire, sur son erre, pour aboutir en mode automatique au sommet de Davos, où la PDG du groupe pharmaceutique incriminé fait une conférence. Échappant aux contrôles (il est doué pour les cavales, notre bûcheron), il parvient à entrer dans ce sanctuaire ultra-sécurisé du capitalisme mondial où il coince ladite PDG dans sa chambre d'hôtel, pour lui faire avouer on ne sait plus trop quoi. C'est là que lui apparaît la vérité sur le suicide de son fils, qui le laisse abasourdi. Avant de s'éclipser, son interlocutrice lui explique — dans une bouffée de cette sincérité cynique qui tient lieu d'honnêteté aux puissants — qu'effectivement, des millions de personnes meurent, mais que ce « protocole », le vrai, est celui de l'injustice mondiale, qui préfère soigner les bobos des riches plutôt que les graves maladies des pauvres, mais que ce protocole, chaque occidental en est responsable. Quoi qu'il en soit, abusé par des images qu'il comprend mal qui passent sur une télé, notre bûcheron finira néanmoins par abattre la PDG, à bout portant, alors que celle-ci s'exprime devant quelques milliers de personnes. Son procès, explique un altermondialiste à la radio en conclusion du film, sera en fait le procès de la multinationale — évoquant là un dialogue au début du film dans lequel Diane expliquait à Raoul que la seule manière de faire le procès d'un criminel protégé par le système était d'aller l'assassiner là où il se trouvait pour finalement obtenir que le procès de l'assassin soit celui de sa victime.

Triste histoire, en somme, celle d'un égarement, qui voit la douleur se transformer en pulsion de mort, la victime putative se transformer en criminel bien réel, sous l'œil condescendant et compréhensif d'un capitalisme-pas-si-méchant-que-ça-finalement et de forces de l'ordre qui doivent bien mettre de l'ordre, vous comprenez.

Sauf que ce n'est pas si simple, que le film s'ouvre et se termine par des scènes n'ayant aucun rapport avec l'histoire et laissant entendre que l'industrie pharmaceutique est bel et bien coupable de crimes atroces en testant des médicaments sur des personnes sans défense dans le Tiers-Monde. Sauf que la passionaria parano semble bel et bien avoir été victime de la multinationale et semble avoir précisément mis au jour ces agissements. Sauf que les manœuvres des flics sont quand même franchement bizarres. Sauf que quelques bribes de conversation, ici et là, jettent un doute sur la version officielle : la thèse du placebo n'apparaît que tardivement, alors que la boîte pharmaceutique aurait dû sortir l'info beaucoup plus tôt ; le chimiste indépendant à qui Raoul et Diane confient l'analyse des pilules prises par le fils décédé semble de mèche avec la police, laquelle semble fort proche du patron de la boîte, etc. On n'en saura pas plus, cependant.

La raison pour laquelle j'ai aimé ce film bizarre, un peu maladroit mais pas autant que ça, c'est qu'il pose — ou donne à poser — une question terrible, difficile, indispensable : celle de l'autodestruction qu'encourt quiconque entre en résistance. Car, tout le monde ~~est~~ devrait être d'accord, finalement, le système économique est inique, ravageur, mangeur d'hommes et les multinationales agro-bio-nécro-pharmaceutiques en sont peut-être bien le fer de lance. Qui pourrait nier cela quand 18.000 enfants meurent de faim chaque jour ? Il y a donc tout lieu de se révolter.

Toute révolte est-elle pour autant bonne à prendre ? Et à quelles conditions ? C'est cette interrogation importante, actuelle, qu'exprime le personnage de Diane. Quiconque se sent de taille à se mesurer de front à l'appareil de domination du monde s'expose en effet à trois dangers, à commencer par celui de se faire broyer, matériellement, physiquement, par les rouages bien huilés de la machinerie qui peut, de la manière la plus légale du monde, faire de votre vie un enfer juste en enfilant les procès où vous ne ferez jamais le poids contre les escouades d'avocats qui vous seront opposés. Je pense ici, avec respect, tendresse et remord de n'avoir pas su lui apporter le soutien dont il avait besoin, au brillant journaliste Denis Robert qui a récemment annoncé sa décision de se retirer du dossier Clearstream, vaincu par l'acharnement judiciaire de cette multinationale qui est au coeur de la finance mondiale et dont Denis Robert a montré, démontré et redémontré les malversations.

Le second danger, qui peut facilement s'enchaîner au premier, est de perdre son discernement, de porter des accusations à tort et à travers, de perdre toute crédibilité et de s'enfoncer dans la spirale paranoïaque qui est d'abord celle d'une infinie solitude.

Enfin, il y a le risque est de se perdre totalement en recourant soi-même à des méthodes violentes qui feront perdre toute légitimité à un combat pourtant juste à son début.

À sa manière, infiniment perverse, avec ses lois d'exception anti-terroristes, avec le retour insidieux de la torture, avec la mainmise capitaliste sur les médias, avec la casse sociale quotidienne qui ôte à une bonne partie de la population toute envie de contester, le monde d'aujourd'hui actualise la notion de totalitarisme. Mais au-delà du constat, on vacille très vite, car la mise en cause de cet amoncellement d'injustices est un travail de titan, dans lequel on se noie très facilement. L'ébranlement de l'édifice, pourtant, est du domaine du possible. Le nouveau protocole nous indique que cela exige de la prudence, de la persévérance et beaucoup de discernement, non seulement à l'égard des éléments qui pourraient nous entraîner dans la folle spirale de la perte de soi mais aussi et peut-être surtout à l'égard de ceux qui nous incitent à renoncer ou nous font voir le monde sous des dehors trop lisses.

|1| Lire par exemple celle du Monde.

Eldorado

2008-05-13T19:19:31Z

J'ai eu la chance, hier soir, d'assister, dans le tout nouveau cinéma Sauvenière, à Liège, à la première (mondiale, s'il-vous-plaît) d'Eldorado, le nouveau film de Bouli Lanners qui sera présenté au festival de Cannes, dans la quinzaine des réalisateurs. Ce road-movie wallon produit par Versus est une petite perle, minimaliste, intimiste. À ne pas manquer.

Si les pauvres avaient leur mémoire...

2007-11-25T22:36:32Z

Il y avait aujourd'hui au cinéma Le Parc (Liège) une soirée consacrée à Paul Meyer, qui est décédé le 29 septembre dernier, avec la projection de Klinkaart (1956, selon Piet van Aken) (photo) suivi du documentaire de Jean-Claude Riga Paul Meyer et La mémoire aux alouettes (2007), présenté comme « une ballade avec Paul Meyer en liberté très surveillée par la censure sociale de la mémoire ».

Paul Meyer m'apparait comme une très grande figure artistique et morale, incroyablement méconnue, honteusement méconnue. Et la censure dont il a en effet fait l'objet tout au long de sa vie nous apprend, je crois, beaucoup de choses sur le régime politique et social dans lequel nous vivons, sur cette soi-disant terre de compromis que serait la Belgique.

Mais soit, on reparlera de tout cela. En attendant, de cette soirée, je retiens surtout cette phrase : « Si les pauvres avaient leur mémoire, qu'ils transmettaient à leurs enfants, il n'y aurait plus de pauvres ».

Paranoid Park

2007-11-16T10:42:34Z

Je ne sais pas si je suis en train d'apprivoiser la face immobile de la force, cette vita contemplativa qui se refuse lorsqu'on est comme je le suis enfoncé jusqu'au cou dans l'hyperactivité si ce n'est le bougisme. Toujours est-il que j'ai finalement vu et beaucoup apprécié le dernier film de Gus Van Sant, Paranoid Park.

Parmi d'autres sujets de méditation, ce film me laisse penser que le cinéma a beaucoup moins que l'industrie du disque à redouter les échanges numériques de données dans le court et moyen terme. Pour la raison très simple que la vision d'un film sur pellicule est définitivement une expérience infiniment plus riche que ce que peut offrir un écran numérique et que j'espère que le public saura se rendre compte de tout ce qu'il perdrait à déserter les salles obscures pour matter des DivX téléchargés en P2P.

Le film de Van Sant est tout de textures et de semi-obscurités ; c'est un chef d'oeuvre de velouté (notamment dans les séquences de skate, tournées en 8mm), une étude anatomique in vivo. Ses longs plans semblent chercher à s'approprier la matière. On a besoin de salles de cinéma pour ce genre de choses |1|.

|1| Et ça tombe bien, puisque les Grignoux s'apprêtent à ouvrir 4 nouvelles salles à Liège (lire les récents articles du Soir ici et ici. Pourvu que ce soit l'occasion d'élargir encore le nombre de films proposés et de projeter des classiques.

Décès de Paul Meyer

2007-10-10T13:46:20Z

Trop peu branché sans doute sur l'actualité, je découvre aujourd'hui que Paul Meyer est décédé. Et je dois dire que me fait un choc.

Plus exactement, je l'avais entendue, cette triste nouvelle, dans la confusion d'un sommeil matinal que le journal parlé de La Première avait bien du mal à percer. Je me souviens m'être réveillé — plus tard — sous le coup de l'impression très désagréable de sortir d'un cauchemar dans lequel Paul Meyer était mort.

J'ai découvert et rencontré Paul Meyer en avril dernier, lors d'un ciné-club à Liège, dont j'avais dit un mot ici. J'avais été frappé et séduit par le discours de ce vieil homme frêle et sec, non seulement sur le cinéma, mais sur la politique et sur la vie en général ; un discours d'une lucidité et d'une humanité dont je perçois encore les accents. Nous avions discuté et convenu de faire un long entretien sur Radio Panik. Il m'a fallu attendre la fin de l'été pour disposer d'un matériel d'enregistrement permettant de prendre du son dans de bonnes conditions et j'ai consacré le mois qui vient de s'écouler à en acquérir le maniement.

Aujourd'hui, le numéro de GSM de Paul Meyer demeure dans mon carnet-des-choses-à-faire, inutile désormais.

Naissance des pieuvres

2007-08-24T18:12:41Z

Vu hier Naissance des pieuvres, premier film de Céline Sciamma. À voir sans hésiter. À noter, l'excellente prestation de Pauline Acquart, dans le rôle principal.

Inside Man (Spike Lee)

François Schreuer — 2007-08-22T00:42:00Z

Attention, ce texte révèle l'intrigue du film.

J'ai finalement vu Inside Man, le beau film de Spike Lee, encensé par la critique (même les Cahiers du cinéma ont été sympa, c'est dire). Ce film est certainement très bon à bien des égards — casting soigné, intrigue intriguante, scénario léché, musique bien foutue, générique sympa, etc. Bref, c'est objectivement un bon film, agréable à voir, prenant malgré sa longueur, accessible au grand public et malgré tout attirant pour le cinéphile pas bégueule, tout ça. À voir sans nul doute.

Mais voilà, c'est un film dégonflé.

Rapide mise au parfum pour ceux qui n'auraient même pas vu la bande annonce : le propos distillé par celle-ci est grosso modo le suivant : soit un hold up parfait, dans une banque de Manhattan, réalisé sans violence par un génie du crime. Mais,... mais, est-ce que le hold up est bien un hold up ? Est-ce qu'il n'y a pas un enjeu politique là-dessous ? Que se passe-t-il à l'intérieur de cette banque ? Sous les apparences du hold up, est-on presque conduit à se demander si ce n'est-ce pas une affaire d'Etat qui est en train de se jouer (brr, on frisonne de plaisir). Jusqu'au titre du film — Inside Man — annonce qu'on va nous emmener voir des choses qu'on ne voit pas d'habitude.

Sans savoir de quoi il retourne, j'aurais donc traduit ce titre par « L'infiltré » ou quelque chose d'approchant. La distribution s'est contentée d'un plus pesant mais aussi plus fidèle « L'homme de l'intérieur ». Et effectivement, l'histoire est simplement celle d'un groupe de braqueurs hyper pros qui attaquent une banque avec des armes en plastique, y prennent 50 otages, font poireauter le monde quelques jours avec quelques idées amusantes, et s'en sortent en rendant impossible à la police de faire une distinction entre otages et preneurs d'otages. En plus, on dirait qu'ils n'ont rien volé — tout l'argent est toujours là. L'astuce, outre le coup des otages déguisés en braqueurs, c'est que le chef des braqueurs s'est fait construire une cache dans la banque où il reste pendant une semaine après le braquage, avant de sortir tranquillement avec le magot quand la banque a repris ses activités normales. Et le butin, ce n'est pas le fric, ce sont des diamants contenus dans un coffre privé.

Pour justifier le caractère mystérieux du machin, Spike Lee nous bassine avec une histoire de directeur de banque impliqué dans les crimes du nazisme. Mais bon, franchement, ce n'est pas très original qu'un directeur de banque qui se trouvait en Suisse dans les années '40 ait magouillé avec les nazis. Je veux dire que ça peut difficilement être un secret d'Etat |1|. Donc, en fait, il n'y a rien, juste un braquage fort bien monté |2|. Le coffre vidé appartient au directeur de la banque, il contenait des diamants volés aux victimes du génocide hitlérien. Et donc le bonhomme se tait, d'autant plus que quelques papiers compromettants lui ont été dérobés par la même occasion. En fait de faux semblants annoncé, le seul faux semblant est qu'il n'y en a aucun.

Bon, j'avoue que j'ai une certaine prédilection pour les films qui parviennent à monter de façon un petit peu crédible une belle affaire d'Etat. D'où une vive déception chaque fois qu'un film annoncé comme thriller politique me fait le sale coup de n'être qu'une bête histoire de voleurs et de gendarmes |3|. Mes critiques sans doute un peu trop acerbes exposées dans ces pages contre Romanzo Criminale ou contre Pars vite et reviens tard viennent probablement de là.

N'empêche, et c'est là mon propos, je me demande si le genre du thriller politique ne s'asphyxie pas, mine de rien |4|. Et je me demande si cela n'a pas un petit quelque chose à voir avec l'idéologie de l'époque. Comment, en effet, faire un bon film politique quand tout le monde se fout de la politique ? Non, c'est caricatural de dire ça. Plutôt : comment faire un bon film politique quand plus grand monde ne perçoit le caractère politique de ce qui advient ? Comment faire un bon film politique quand plus rien n'est politique ? En fait, pour faire un bon thriller politique, il faut que les motivations des sujets aient un peu de substance idéologique, qu'on puisse les comprendre, en apprécier la rigueur ou la profoneur, les partager le cas échéant.

Comment les braqueurs ont-ils monté leur coup ? On ne le saura pas. Qui sont-ils ? On ne le saura pas non plus. Bref, il n'y a strictement rien à dire sur ces braqueurs. Pourquoi ont-ils monté ce braquage ? Pour le fric, explique le chef des braqueurs (Clive Owen) : « je ne suis pas un martyr, j'ai fait ça pour l'argent » — et, complète-t-il de façon complètement dérisoire et sur un ton néanmoins profondément sérieux : « parce que je suis doué ». Le choix de la victime du vol ne semble servir que comme assurrance morale, politiquement correcte, histoire d'éviter les remords « J'ai volé un homme qui a vendu le respect de lui-même contre quelque dollars. ». La morale du film, son économie profonde, c'est encore lui qui la donne, à deux reprises, en ouverture et en conclusion : « Il n'y a donc que le comment qui reste ». S'il ne reste rien, il reste encore l'utilitarisme.

|1| D'ailleurs certains milliardaires d'aujourd'hui (celui-ci par exemple) gardent pignon sur rue malgré un passé très trouble.

|2| Même si, si on voulait chicaner, on aurait quand même quelques questions à poser au scénariste, mais passons.

|3| Évidemment, une bête histoire de voleurs et de gendarmes peut être très sympa à regarder, ce n'est pas la question.

|4| Souvenez-vous du juge d'instruction campé par Jean-Louis Trintignant dans « Z » (Costa-Gavras) ou le procureur Henri Volney joué par Yves Montant dans « I... comme Icare » (Henri Verneuil). Et tant d'autres...

Ah oui, plus encore que pour un autre, évitez de voir ce film en version française, le doublage est catastrophique.

Les chansons d'amour

2007-08-01T23:43:39Z

Ce n'est ni la première ni probablement la dernière fois qu'on dit ici du bien de Christophe Honoré. Son dernier film (que je viens seulement de voir), Les chansons d'amour |1|, est un pur bonheur cinématographique. Comme d'habitude chez Honoré, l'intérêt de cette comédie musicale réside essentiellement dans la maîtrise formelle époustouflante mise au service de quelques portraits nuancés |2|. Chose peu banale, Honoré écrit |3| pour le cinéma, une écriture serrée, corsée mais pas entêtante, subtile sans être empruntée. La maîtrise du son comme celle de l'image sont totales. Chaque respiration, chaque clignement de paupière semblent inscrits dans un scénario qui nous sert une belle histoire, triste et drôle, dramatique et ensoleillée. Et puis, disons-le, Louis Garrel et Clotilde Hesme sont craquants, genre qu'on a envie de retourner au cinéma demain juste pour le plaisir de les voir encore une fois.

Inmanquable.

|1| Voir la bande d'annonce en ligne.

|2| Ah oui, et puis aussi de ces omniprésentes scènes parisiennes.

|3| Il nous souffle d'ailleurs quelques idées de lecture très directement liées à son scénario : Politique, d'Adam Thirlwell, Un bonheur parfait, de James Salter et Volupté singulière, d'A.-L. Kennedy.

Still life

2007-07-14T13:46:46Z

Après de longues semaines loin du cinéma, j'ai vu hier soir le très beau Still life (Sanxia haoren) du chinois Jia Zhang Ke, lion d'or de la dernière Mostra. Très beau film, contemplatif et social à la fois. La trame narrative est très simple, mais suffit au réalisateur à dérouler, dans le décor oppressant de la vallée du Yang Tsé, une fiction qui ressemble à un documentaire sur le désastre humain du « miracle » chinois.

Paul Meyer

2007-04-15T22:00:00Z

Très grosse impression cinématographique hier soir. J'ai vu, dans un chouette petit ciné-club de quartier, le film de Paul Meyer Déjà s'envole la fleur maigre, un film de 1959 absolument époustouflant sur l'immigration italienne en Belgique, et dont je dois bien avouer que j'ignorais jusqu'à l'existence. Je ne peux que vous le recommander si vous ne le connaissez pas encore. La projection vidéo a été suivie d'un échange avec le cinéaste particulièrement intéressant.

Pour en savoir plus à propos de ce personnage étonnant, outre la page très fournie que Wikipédia lui consacre, voir le site du Nova, où une rencontre avec Meyer et René Vautier a été organisée dernièrement ainsi qu'un long entretien avec Patrick Leboutte sur le site de l'asbl Des Images.

Deux bons films

François Schreuer — 2007-04-09T12:46:00Z

Il paraît que je serais trop sévère quand je parle de cinéma dans les pages de ce carnet. Ça ne me semble pas tout à fait exact |1| mais peu importe.

Quoi qu'il en soit, j'aimerais dire tout le bien que je pense de deux films que j'ai vu récemment et qui ont en commun une thématique qui est celle de la surveillance. Dans l'un comme dans l'autre, toutefois, le propos politique n'est que secondaire, constitue en quelque sorte la trame de ces films qui sont d'abord des oeuvres de fictions dramatiques convaincantes, comme chacun pourra s'en convaincre en allant les voir. C'est cependant cette trame qui m'intéresse ici, car il s'agit dans les deux cas d'une réflexion sur l'idée de contrôle, sur les dégâts que peut représenter une société de surveillance, sur les limites de cette transparence dont trop de naïfs font, au point que ça en devient souvent dangereux, un critère d'évaluation central des vertus d'un système politique. À l'inverse, c'est la vertu de l'intime, de l'épaisseur du monde social, qui est prônée.

Red Road, de l'écossaise Andrea Arnold dont il s'agit du premier long-métrage, prix du jury du dernier festival de Cannes, est un film minimaliste, parvenant à poser avec fort peu de moyens techniques et scénaristiques et un jeu d'acteur tout en réserves (avec une excellente autant qu'inconnue jusqu'alors Kate Dickie dans le rôle principal), une ambiance et une intrigue captivantes.

Les quinze premières minutes du film sont les plus intéressantes concernant la question de la surveillance — il s'agit même de quelques séquences d'anthologie. Elles nous nous mettent dans la peau d'une policière chargée d'un réseau de caméras et nous font voir des images videos du quotidien plus ou moins glauque d'une grande ville occidentale — en l'occurrence Glasgow —, saisies avec une extraordinaire indiscrétion, indiscrétion proportionnelle à la puissance des zooms des caméras. La misère s'y révèle en particulier sous un jour des plus crus — au sens figuré comme au sens propre puisqu'on baigne dans une lumière livide, quelque chose comme une nuit américaine post-moderne et complètement trash.

Ce qui est impressionnant, c'est de voir comment, à travers l'objectif d'une caméra de surveillance, la transformation du champ social en champ de bataille sociale se produit insensiblement. L'atmosphère est déjà a priori très anxiogène, mais la posture douloureuse de ce personnage de flic — dont on apprend petit à petit qu'elle a fait de son job un combat personnel — rend la situation vraiment effrayante autant qu'elle est routinière et dépourvue de l'expression d'affects autres que ceux, très conventionnels, qui sont attendus dans un poste de police.

Sous le regard soupçonneux dans lequel la cinéaste parvient à nous faire entrer, le moindre comportement devient suspect, l'oeil est amené à se demander sans cesse si cela qu'on voit est normal ou pas, on cherche à déceler tout signe d'une catastrophe imminente dont la certitude irrationnelle s'impose très vite. Un homme met la main dans sa veste ? N'est-il pas en train d'en sortir une arme ? Un autre peine à ouvrir une porte, on se demande s'il ne s'agit pas d'un cambrioleur. Un couple copule violemment dans un terrain vague, le rélexe immédiat est d'y voir un viol,... pourtant immaginaire. Parfois une agression bien réelle a lieu sous l'oeil effaré de la surveillante, qui ne peut rien faire pour l'en empêcher sinon dépêcher la cavalerie qui arrivera en général trop tard. Il en découle un sentiment impuissance dont on suppose qu'il ne peut qu'alimenter — paradoxalement — une course en avant sécuritaire qui ne fera que faire empirer ce problème mal posé. La distance entre l'observatrice et son champ d'investigation rend tout ce qui n'est pas banal inquiétant, voire pathologique. Big brother, c'est d'abord une mutation du regard.

Quant à Das Leben der Anderen (« La vie des autres »), de Florian Henckel von Donnersmarck, il s'agit d'un de ces films par lesquels l'Allemagne solde depuis quelques années un certain nombre de comptes avec son passé tourmenté, le plus récent en l'occurrence puisque c'est de la Stasi, la police politique du régime est-allemand qui sévit jusqu'en 1989, qu'il est question. Au même titre que Der Untergang, d'Oliver Hirschbiegel, Sophie Scholl - Die letzten Tage, de Marc Rothemund ou Good Bye, Lenin !, de Wolfgang Becker, Das Leben der Anderen est ainsi d'ores et déjà un succès commercial important. Ce rôle cathartique du cinéma allemand qui parvient à affirmer au grand jour la vérité historique tout en refermant certaines pages douloureuses d'une histoire commune me semble un phénomène intéressant, mais ce n'est pas de cela qu'il est question ici.

|1| S'il est vrai que j'ai porté un jugement négatif sur Pars vite et reviens tard, Perfume ou Romanzo Criminale, j'ai par contre été particulièrement positif à l'égard de The Wind that Shakes the Barley, Dans Paris, Renaissance ou La Raison du plus faible, entre autres.

Par ailleurs, j'ai vu il y a quelques semaines l'effarant INLAND EMPIRE, que je conseille à tous ceux qui sont prêts à des expériences cinématrophiques déconcertantes mais sur lequel je reste aphone jusqu'à présent. Dernièrement, j'ai vu également Little Children, de Todd Field, qui mérite le déplacement.

Pars vite et reviens tard

2007-03-03T01:34:07Z

Vu ce soir Pars vite et reviens tard, dont la bande annonce m'avait alléché un peu rapidement. Le résultat, quoique non totalement dépourvu d'intérêt, est malgré tout sérieusement décevant. L'entrée en matière séduit, pourtant, posant d'emblée l'ambiance d'un bon thriller policier mâtiné de références historiques, le tout sur fond d'une trame dramatique qui élève le niveau et donne à ce film la possibilité d'un propos d'une portée quasiment anthropologique — possibilité qui ne sera pas exploitée. À cela s'ajoutent quelques trouvailles dont cette idée un peu cliché mais amusante de poser en plein milieu de la place Beaubourg, côtoyant les sculptures de Niki de Saint Phalle, un microcosme presque villageois.

La suite n'est malheureusement pas du même acabit et le scénario tiré d'un bouquin de Fred Vargas peine à conserver le rythme, tout comme le réalisateur Régis Wargnier s'essoufle en même temps que son script, nous infligeant à mesure que le film avance des longueurs de plus en plus pénibles. L'intrigue centrale, tout le prolème est là, s'écroule trop rapidement et avec elle disparaît le propos thématique du film — celui du retour de la peste —, ce qui ne manque pas de créer un vide, ravale pour tout dire le film au rang d'un simple polar français avec des voitures de police qui roulent dans Paris sirènes hurlantes. Le suspense ne sera vaille que vaille relancé que par quelques questions subsidiaires de moindre intérêt. Dans tout cela, le film a perdu cohérence et unité.

Quant aux acteurs, on verra Lucas Belvaux camper une énième fois son personnage récurrent, éternel — qu'il soit flic ou malfrat, on lui retrouve de film en film les mêmes attitudes, la même dégaine, ce qui a tendance à devenir un peu lassant. Il en va de même d'une Marie Gillain peu inspirée. Olivier Gourmet est par contre exceptionnel, méconnaissable, authentiquement métamorphosé par chacun de ses rôles. José Garcia, le personnage central, est lui aussi plutôt convaincant.

« Perfume » est une daube

François Schreuer — 2007-01-01T13:56:00Z

Je n'avais délibérément pas lu les critiques avant d'aller le voir ; subodorant de loin tout le mal qu'il y a immanquablement moyen de dire d'un film comme celui-là et voulant avec beaucoup de bonne volonté, pour autant que cela fût possible, retrouver quelque chose du goût que m'avait laissé la lecture du bouquin de Suskind, agréable souvenir d'enfance puisque je devais à peine avoir la moitié de mon âge actuel quand je l'ai lu.

C'est raté.

« Le Parfum » de Tykwer — ou plutôt « Perfume » puisque le film a l'extrême mauvais goût de mettre en scène des Français du XVIII^e siècle parlant un anglais contemporain, mâtiné, pour ne rien arranger, de quelques termes et locutions français, à la manière des Américains semi-cultivés — est, je me dois de vous en informer, une lamentable daube.

Tout d'abord, principalement, ce film est un échec sur le plan esthétique, ce qui est assez embêtant dans la mesure où l'on devine que l'intention première du créateur de ce navet était de toute évidence de se lancer avec beaucoup d'allant dans une sorte de festival de couleurs. On le sent de bout en bout, ce brave Tikwer, désireux de produire un feu d'artifice — visuel à défaut de pouvoir être olfactif, nous explique-t-il chaussé des gros sabots dont il ne se départira pas tout du long de cet interminable palinodie. L'ambiance que le film parvient en fin de compte à poser tient plus de celle d'un magasin de bimbeloterie un peu cosy tels qu'on peut en trouver dans l'iconographie de la bourgeoise américaine. Comment la définir cette esthétique ? Couleurs vives et chaudes (avec une préférence pour les rouges un peu sombres et profonds), bons matériaux honnêtes comme du bois, du métal, de la pierre, dispositifs formels rassurants, accueillants,... Le film a beau se dérouler en bonne partie dans le printemps de l'arrière pays niçois, on se croirait plutôt, malgré les champs de lavande, un soir de Noël au coin de feu au fin fond d'une forêt allemande. Quelque chose comme ce que Walt Disney nous a appris à considérer comme une esthétique de contes de fées. Oui, finalement, on se croirait plus dans Hansel et Gretel qu'ailleurs. Même la crasse dans laquelle on est baigné de temps à autre participe de cet état d'esprit sirupeux.

Le désastre ne se limite malheureusement pas à ces considérations colorées : le jeu des acteurs est juste affligeant, d'une platitude assommante, fatiguante. Et de façon amusante, à rebours complet de la dynamique esthétisante de tout le reste du film, la jeune beauté sublime qui est sensée justifier, couronner même, les crimes de Jean-Baptiste Grenouille (prononcer Jô-Batist Gwenouil) est non seulement dépourvue dans ce film de la moindre personnalité (mais jusque là, rien de bien surprenant il est vrai) mais est en plus d'une banalité esthétique tout à fait notable.

La réalisation est de ce même tonneau tristement bien décidé à ne jamais se départir du premier degré le plus terrien et de l'explicite le plus lourd, comme si la moindre subtilité narrative risquait de perdre le spectateur (on en connaît, il est vrai, du côté du boulevard Reyers, qui sont passés bien près du décolage pour la prise de ce genre de libertés).

La musique, enfin, tient pour l'essentiel de cette espèce de consensualisme symphonique que l'on peut, au gré des aléas de la grande industrie cinématographique mondialisée, retrouver indifféremment dans « Maman j'ai raté l'avion » ou dans un film d'époque en costumes. Comprenne qui pourra.

À la décharge du réalisateur, on relèvera la difficulté qu'il y a à adapter au cinéma un texte aussi grandiloquent et caricatural que celui de Suskind, l'optique retenue, relativement littérale, mène le réalisateur à cette posture aussi inconcevable qui consiste à reprendre les deux scènes finales ubuesques dont vous vous rappelez peut-être de la lacture du bouquin ou que vous découvrirez s'il vous prend malgré tout la lubie d'aller voir ce film — le recours à l'ellipse eût probablement été plus heureux. Il y a certaines choses que la littérature peut se permettre mais que le cinéma doit prendre garde à ne pas récupérer telles quelles dans son langage.

Dans Paris

2006-11-05T01:50:49Z

Vu hier soir le dernier film de Christophe Honoré, Dans Paris (avec Guy Marchand, Romain Duris, Johanna Preiss et Louis Garrel). À voir, sans nul doute. Une bonne critique ici, rien à ajouter.

Pour vous mettre dans l'ambiance, passez ceci en boucle, c'est un vieux tube très eighties de Kim Wilde qui est dans la BO du film, ça peut pas faire de mal :


Kim Wilde, Cambodia

La Raison du plus faible

François Schreuer — 2006-09-27T11:58:00Z

Je ne saurais trop vous suggérer d'aller voir « La raison du plus faible », de Lucas Belvaux. Je l'ai vu vendredi soir et j'en suis encore tout imprégné, de ce film, presqu'une semaine après. Il dit, me semble-t-il, très bien la révolte qui monte dans cette société merdique qui est la nôtre, cette révolte que tant de monde ne semble pas voir dans les lieux où se produit l'essentiel du discours sur le monde.

Ça se passe à Liège |1|, dont est montrée une image extrêmement noire, trop noire en fait, mais terriblement juste pourtant. C'est l'histoire un peu pathétique de quatre gars qui décident un beau jour qu'ils en ont trop pris dans la gueule. Il y a un jeune chômeur surdiplômé (Eric Caravaca), un ancien braqueur résigné par la vie et devenu ouvrier chez Jupiler (Lucas Belvaux en personne) et deux anciens métallos, licenciés « avant d'avoir l'âge », dont un a perdu à l'usine l'usage de ses jambes (Patrick Descamps et Claude Semal). La porte de sortie se trouve, pensent-ils, dans un braquage. Foireux, évidemment.

La cible est symboliqe : l'argent du dépeçage des usines, dont l'acier qui reste une matière première extrêmement précieuse est revendu. Il a quelque chose de biblique dans ce film, depuis l'invocation permanente d'une justice suprême pour justifier des actes que la justice humaine — tellement imparfaite — réprouve jusqu'à la souffrance qui culmine dans la pietà finale (photo). L'univers que dessine ce film est complet, son horizon est fermé, la seule ouverture apparaissant dans le dernier plan. Ce fim est une tragédie, totale, dont les personnages sont enfermés entre les tours de Droixhe qui sabrent le ciel bleu et les bouteilles de Jupiler qui sont des trous sans fond.

Une chose que ce film dit aussi, c'est que le temps des ouvriers est révolu. Et ce constat est une douleur terrible, un retour en arrière, parce que le temps qui vient est non seulement celui d'une replongée dans la misère — « après 5 ou 6 générations de lutte, dit un des personnages, on avait enfin un peu plus que le nécessaire ; et on nous le reprend » — mais aussi celui de la perte de la dignité pour des gens à qui la travail en avait donné une. Les luttes syndicales constituent un arrière-plan permanent dans le film, mais aucun des personnsages ne semble entretenir à ces luttes autre chose qu'un rapport historique, mémoriel, vraiment lointain. Ils se sont battus, mais ça n'a pas marché. Place à l'anomie. Terrible issue.

Le film s'achève dans une scène d'anthologie, un face-à-face époustouflant entre le braqueur et le sniper, tous les deux fondus dans la même merde, la même société invivable qui va tuer un pendant qu'elle aliène l'autre. Et on ne peut s'empêcher de penser que le braqueur, au moins, a choisi la liberté, même la façon dont il perd la vie est finalement juste très triste. Comme le dit Benjamin Deceuninck, cet activiste français anti-OGM scandaleusement poursuivi pour avoir refusé de se laisser ficher génétiquement |2|, « J'ai appris dans l'histoire, qu'on avait le droit de refuser, quelles que soient les conséquences. »

|1| Entre Droixhe et Ougrée, qui — petit détail qui surprendra les liégeois — sont devenus deux quartiers voisins le temps du tournage du film. C'est qu'il n'y a pas à Droixhe la vue ahurissante sur la Meuse serésienne,...

|2| Lire : Marion Van Renterghem, « La tentation du fichage génétique de masse », in Le Monde, 26 Septembre 2006.

Par ailleurs, j'ai vu cette semaine l'époustouflant Taxidermia, du Hongrois György Pálfi, un film dont la première chose à dire est qu'il est esthétisant |1| jusqu'à la nausée. C'est un film magnifique, ciselé, dont la plupart des plans sont véritablement splendides mais il est franchement pénible à regarder. Il s'agit d'une histoire littéralement organique de trois générations d'une famille hongroise, de trois personnages excessifs, qui trouvent jouissance et raison d'être dans l'exaltation sauvage de tel ou tel aspect de leur corporéité. Il y a quelque chose de la patte de Kusturica dans les personnages de ce film, mais sans l'aspect burlesque, sans la moindre nuance comique. Le film de György Pálfi est terriblement froid, inquiétant, absurde finalement.